En 1977, un film va révolutionner le cinéma, ce film réalisé par un jeune cinéaste méconnu du grand public parviendra à conquérir le monde entier. « Star Wars », un phénomène qui ne cesse de séduire toutes les générations épisodes après épisodes. Aujourd’hui, 10 ans après la fin de la seconde trilogie (loin d’être parfaite), Disney et Lucasfilm ont la lourde tâche de relever le défi de proposer un tout nouvel épisode à cette Guerre des Etoiles. « Star Wars : Le Réveil de la Force », attendu par le monde entier depuis des années, est enfin sur les écrans français avant même les Etats-Unis.
Opus entouré de mystère, il procurera sans doute beaucoup d’émotions aux spectateurs fans ou non, en étant le digne successeur des épisodes IV, V et VI ! Attention le phénomène Star Wars est de retour pour le meilleur ! 

Synopsis : Plus de trente ans après la bataille d'Endor, la galaxie n'en a pas fini avec la tyrannie et l’oppression. Les membres de la Résistance, combattent les nouveaux ennemis de la république : le mystérieux Kylo Ren et les troupes du Premier Ordre. Au même moment, Finn, un Stormtrooper qui vient de s’échapper, rencontre une jeune femme nommée Rey, pilleuse d'épaves sur la planète Jakku…

J.J. Abrams, en grand fan de la saga intergalactique qu’il est, a réussi le pari fou de donner une suite à un film réalisé il y a une trentaine d’année tout en apportant le modernisme d’aujourd’hui. Un travail difficile quand on sait que « Le Retour du Jedi » constitué une belle et vraie fin à la saga. Que les spectateurs se rassurent donc, le scénario est parfaitement écrit et arrive à merveille, à faire le lien avec les précédentes productions. On sent bien, la parfaite maîtrise du sujet par son réalisateur et sa volonté d’attirer le public d’aujourd’hui en accueillant de nouveaux personnages incluant une certaine modernité, tout en satisfaisant les fans de la première heure, en gardant les fondamentaux et quelques éléments bien connus de tous.
Ces éléments sont principalement issus de la première trilogie à laquelle le cinéaste est particulièrement attaché. Et ils nous le fait clairement savoir en rendant hommage à « Star Wars – Episode IV : Un Nouvel Espoir », car oui, c’est peut-être là que certains critiqueront ce nouvel opus. En effet, certains éléments sont un copié collé de l’épisode IV, et ne sont donc pas très originaux… Ceci dit l’ambiance mystique, et les scènes d’action à couper le souffle qui se dégageaient de la première trilogie sont de retour, plus moderne que jamais, pour le plus grand plaisir de tous !
« Star Wars : Le Réveil de la Force » réserve bien sûr, également son lot nouveauté, apportant un vent de fraicheur à l’univers de Georges Lucas. Nouvelles planètes, nouvelles créatures, mais également histoire plus sombre et violente, certainement la plus sombre de toutes, sont autant d’éléments qui donnent bon espoir pour ce début de nouvelle trilogie et laisse présager le meilleur pour la suite.

Le point le plus fort de ce film, est sans aucun doute, ses personnages. Dès le début de l’intrigue, nous tombons littéralement sous le charme de cette nouvelle génération d’acteurs inconnus, qui n’ont rien à envier aux stars de la saga. Il faut dire que J.J. Abrams, a ici pris le temps d’introduire et d’amener les personnages comme il le faut vers le public, pour qu’il se passe tout de suite un sentiment d’attachement, et le moins que l’on puisse dire, c’est que ça marche !  
Comment ne pas succomber au charme de Rey, une pilleuse d'épaves solitaire vivant sur la planète Jakku. Incarnée par une Daisy Ridley, aussi incroyable que charismatique, elle est notre coup de cœur du côté des rôles féminin de ce film !
Finn, joué par John Boyega, est un Stormtrooper en fuite, pour des raisons que nous ne dévoilerons pas ici. Il est l’un des personnages les moins attachants du récit même si ceci n’enlève rien au talent de l’acteur.
Kylo Ren, le nouveau grand méchant de la galaxie Star Wars. Aussi bien complexe que maléfique Kylo Ren est clairement le pire ennemi que les héros ont connu et la menace est bien réel lorsque l’on connait son passé. Plus violent que Dark Vador, c’est Adam Driver qui lui prête ses traits. Un acteur tout bonnement incroyable, d’un charisme fou, bref, à suivre de très près…
S’il est un personnage, dont le public adhérera dès sa première apparition à l’écran, c’est bien BB-8, le petit droïde plein de charme et très expressif, digne successeur de R2-D2.
N’oublions pas bien sûr le grand retour du casting original, plus en forme que jamais (mention spéciale à Harrison Ford). Un sentiment de nostalgie à chacune de leurs apparitions qui sonne comme des retrouvailles avec une famille après une trentaine d’années d’absence. Han Solo (Harrison Ford), Leia (Carrie Fisher), Luke Skywalker (Mark Hamill), Chewbacca (Peter Mayhew), C-3PO (Anthony Daniels) et R2-D2 (Kenny Baker), ils sont tous là !

Côté effets visuel, c’est également un retour aux sources. Nous voyageons dans des décors grandioses qui, pour la grande majorité, sont réels, adieu donc l’abondance de décors numériques de la seconde trilogie. Les marionnettes sont aussi de retour et donne aux créatures peuplant les différentes contrées traversée par les héros, un sentiment de réalité bienvenue. J.J. Abrams a également souhaité tourné le film sur pellicule 35 mm, ce qui donne au film une vision esthétique très old-school, qui s’intègre parfaitement à la première trilogie.
Il en sort un résultat magnifique, à la hauteur de la saga et tout cela renforcé par les évolutions techniques en matière d’effets spéciaux.
Enfin, les célèbres musiques, qui ont en partie participé au succès de la saga, sont toujours admirablement composées par John Williams. Mais en revanche, pour ce qui est des morceaux inédit, le célèbre compositeur n’a semble-t-il pas été très inspiré, dommage sur ce coup là…

« Star Wars : Le Réveil de la Force » est sans conteste l’épisode de transition, et un passage de relais entre l’ancienne et la nouvelle génération tout aussi talentueuse.
Truffé de clins-d’œil entre humour qui fait mouche mais sans jamais en faire de trop et émotion forte, les spectateurs les plus anciens retrouveront tout ce qui a fait le succès de la saga  Star Wars, tandis que les plus jeunes, découvriront un univers très riche, tant visuellement qu’historiquement. Les questions que tout le monde se posent depuis quelques mois (Mais où est Luck ??), trouveront enfin leur réponse…ou pas, enfin pas toutes, laissant quelques-unes en suspend et donnant encore plus l’envie de voir la suite (l’épisode VIII, sortira en France le 24 mai 2017).
Le pari est donc plus que réussi pour J.J. Abrams, Disney et Lucasfilm et signent le retour en fanfare de la saga la plus intergalactique du cinéma !
Il ne vous reste donc plus qu’à sauter dans votre X-Wing, direction les salles de cinéma, pour un voyage dans une galaxie lointaine, très lointaine…

Imaginez un monde où tout est possible, vierge de tout intérêt politique ou industriel. C’est ce monde que « A La Poursuite de Demain » nous invite à découvrir. Réalisé par le papa de « Les Indestructibles », Brad Bird nous fait voyager à travers une cité imaginé par les plus grands visionnaires du monde.
Une belle réussite cinématographique qui vous fera envie d’aller à Tomorrowland…

Synopsis : Unis malgré eux par le destin, Frank Walker, un inventeur désabusé, et Casey Newton, une adolescente passionnée par les sciences au caractère bien trempé, s’embarquent pour une quête périlleuse qui va les conduire dans un mystérieux univers parallèle où rien n’est impossible. Ce qu’ils vont y découvrir changera le monde – et eux-mêmes – à jamais.

À l’origine, Tomorrowland est une section du parc Disneyland, le premier parc créé par Walt Disney en 1955. Pour « A la Poursuite de Demain », tout a commencé avec une boîte sur laquelle était inscrite la date « 1952 », découverte par hasard dans les archives des studios Disney. Tout a commencé avec une boîte sur laquelle était inscrite la date « 1952 », découverte par hasard dans les archives des studios Disney. Cette boîte contenait plans, schémas, maquettes, photos et lettres en rapport avec la création de Tomorrowland et à l’Exposition Universelle de New York de 1964.
Le succès de l’Exposition Universelle, a permis à Walt Disney de réunir les fonds nécessaires à la création de l’Experimental Prototype Community of Tomorrow, ou EPCOT. Disney voulait créer une ville futuriste en termes de développement et d’organisation urbaine, une sorte de vraie Tomorrowland où technologie et urbanisme s’allieraient pour donner naissance à un environnement idéal. Walt Disney est malheureusement décédé avant qu’EPCOT ne voie le jour et The Walt Disney Company a choisi de ne pas mener le projet à bien sans lui. Le concept de cette communauté du futur a été transformé en « Foire internationale permanente » composée de deux quartiers résidentiels pour les employés et leurs familles. Le parc, situé à Lake Buena Vista, en Floride, est toujours en activité aujourd’hui.

Le point fort de « A la Poursuite de Demain » est sans aucun doute son scénario original. En effet, les scénaristes ont eu l’excellente idée d’intégrer dans l’intrigue de grands personnages historique et visionnaires tel que l’ingénieur français Gustave Eiffel, à qui l’on doit la célèbre tour, Jules Verne, l’américain Thomas Edison, le Serbe Nikola Tesla et bien sûr Walt Disney. Comment ? Ça, ça sera à vous de le découvrir mais soyez sûr qu’à la suite de la projection, vous ne verrez plus du tout la Tour Eiffel ou encore une célèbre attraction des parcs Disney, de la même façon…
Le film, nous offre également un fourmillement d’idées, c’est simple il y en a pratiquement une dans chaque scènes, et notamment les moyens de rejoindre Tomorrowland ou alors dans celle de la course poursuite dans la maison du héros, absolument jubilatoire et de clins d’œil que les fans de science-fiction s’amuseront à dénicher ici ou là.

Gorge Clooney interprète le rôle de l’inventeur désabusé Frank Walker. Frank est un type grincheux et désabusé, mais c’était un grand rêveur et un vrai petit génie en sciences quand il était enfant. Lorsque tout jeune, il découvre cette cité incroyable, il pense avoir trouvé le lieu le plus merveilleux qui soit, un endroit qui allait changer le monde. Mais après avoir compris que ce n’était pas le cas, il se transforme en l’être le plus cynique qui soit. Il s’isole dans sa ferme et envisage d’y passer le reste de sa vie. Cependant, les événements du film l’obligent à affronter son passé… Personnage tout bonnement attachant quand les situations s’y prêtent, l’acteur s’en sort parfaitement bien.
Casey Newton, interprétée par Britt Robertson, est une adolescente très intelligente qui a toujours rêvé de devenir astronaute ; c’est sa passion et ce qui la lie à son père, ingénieur à la NASA. Elle veut réaliser de grands projets et changer les choses. Elle rêve d’un monde où régneraient l’espoir et l’inspiration, mais elle ne sait pas comment s’y prendre. Un personnage plein d’optimisme et de fraicheur et absolument attachant.
Pour le rôle du brillant scientifique David Nix, les producteurs ont fait appel à Hugh Laurie. Nix ne s’intéresse qu’à ce qui est utilitaire. À ses yeux, la vie est une quête scientifique infinie car le but de l’homme sur Terre est d’accumuler et de développer les connaissances. Assez fixé sur ses principes qu’il applique à la lettre, ce scientifique reste assez complexe à cerner. A vrai dire, ce n’est clairement pas le personnage le plus étoffé de l’intrigue, de plus aucun charisme n’en ressort.  Son but n’est pas très clair qu’il en devient prévisible.
N’oublions pas également l’excellente Raffey Cassidy, qui incarne Athena, une jeune recruteuse de la cité futuriste, à la recherche de personnes venus de l’extérieur débordant d’idées nouvelle qui pourront résoudre un problème lié à cette cité. C’est notre coup de cœur du film.

« A la Poursuite de Demain » se distingue également par ses effets spéciaux spectaculaires. La ville de Tomorrowland est d’un réalisme saisissant, que l’on aurait envie de visiter pour en découvrir davantage les secrets.
Les décors sont très beaux et sont d’une grande variété avec un côté parfois un peu steampunk. Au total, « A la Poursuite de Demain » comprend plus de 90 combinaisons différentes de décors en studio et de décors réels, et l’équipe s’est déplacée dix fois à l’étranger ou aux Etats-Unie, ce qui constitue un record dans l’industrie cinématographique.

La réalisation a été confiée à Brad Bird, considéré aujourd’hui, comme l’un des créateurs les plus inventifs, les plus doués et les plus passionnés du cinéma. Il a réalisé le film au succès mondial « Mission : Impossible – Protocole Fantôme ». Il fut à la tête également du film d’animation très remarqué « Le Géant de Fer ». Mais c’est chez Pixar qu’il continuera sa carrière avec la réalisation de « Les Indestructibles » mais aussi « Ratatouille », Oscar du meilleur film d’animation.
Une fois n’est pas coutume, Brad Bird signe ici un véritable petit bijou mené de bout en bout sans fausses notes.
Quant à la musique, la partition de Michael Giacchino propose de belles mélodies mais ne propose pas de moments fort à proprement parlé.

« A la Poursuite de Demain » est donc un très grand film d’aventure comme il n’en existe quasiment plus dans le paysage cinématographique d’aujourd’hui. Il serait en effet dommage de passe à côté de cette œuvre intelligente et magnifiquement mise en scène. Bourré d’optimisme et doté d’un message fort, vous ressortirez certainement de la salle avec l’impression que notre futur sera plus beau que ce que l’on en pense actuellement. Un voyage d’évasion et un très bel hommage aux grands visionnaires qui on fait rêver le monde et qui le feront encore demain.

Les Walt Disney Animation Studios sont de retour avec un nouveau film prêt à prendre le relai de « La Reines des Neiges ». Difficile de passer après un tel film, mais « Les Nouveaux Héros » sont prêt à relever le défi. Du grand spectacle donc, pour ce premier film d’animation adapté d’une série de comics Marvel. Disney nous présente avec leur 54éme long-métrage animé, une nouvelle petite merveille !

Synopsis : Un petit génie de la robotique nommé Hiro Hamada découvre qu’un complot criminel menace de détruire la ville de San Fransokyo. Avec l’aide de son plus proche ami, Baymax, un robot infirmier, et de ses compagnons qu’il va transformer en une bande de superhéros high-tech, Hiro va tout faire pour sauver la ville et la population de l’infâme Yokai…

A mille lieues des contes de fées et de la magie, Disney signe ici un film d’animation inhabituel, adapté du comic Marvel « Big Hero 6 ». Mais ne vous inquiétez pas, ce n’est pas un 100% Marvel comme nous l’explique Roy Conli, producteur : "Il s’agit d’un film Disney influencé par l’univers Marvel. Les membres de l’équipe Marvel nous ont beaucoup soutenus dans ce projet, ils ont assisté à toutes les projections et nous ont soumis leurs remarques. Ils ne nous ont jamais donné d’autre directive que celle de faire un bon film. Nous avons tous beaucoup d’admiration pour le style Marvel, nous tenions donc à ce qu’il fasse partie intégrante de l’histoire, mais nous voulions également qu’elle soit émouvante et drôle, car c’est ce qu’attend le public d’un film d’animation Disney."
Comme tous films de super-héros qui se respectent, c’est un grand spectacle qui vous attend en salle, avec de l’action à un rythme effréné. L’émotion est aussi bien présente car c’est sur celle-ci que le film repose, en effet la trame de l’histoire est dramatique, et on se surprend à voir Disney aborder le thème du deuil dans cette production, qui nous fait verser quelques petites larmes. Pour nous décharger de ces instants d’émotions très fortes, les scènes comiques sont présentes et feront exploser de rire les spectateurs (ne manquez la scène post générique).

L’une des grandes réussites de « Les Nouveaux Héros » c’est aucun doute, sa galerie de personnages attachants, modernes et très réussis avec des traits rappelant le style Manga.
Jeune prodige de la robotique, Hiro a le cerveau d’un génie – et le cœur d’un ado de 14 ans. Ses robots high-tech sont des stars dans l’univers underground des combats de robots qui font fureur dans les bas-fonds de la ville de San Fransokyo. Très humain, avec des émotions que l’on ressent, il est l’un des personnages les plus réalistes de l’univers Disney et beaucoup de monde, s’identifiera à coup sûr à lui.
Baymax soigne et prend soin des autres. C’est sa fonction. L’appellation officielle de cet imposant robot en partie gonflable est "Compagnon de santé personnel". En réalisant un simple scan, il est capable d’effectuer un diagnostic complet d’un humain, et en fonction du seuil de douleur du patient, il peut soulager pratiquement toutes les souffrances et soigner quasiment toutes les maladies. C’est notre coup de cœur du film, Baymax est LE personnage comique du film de par son design original et ses répliques à mourir de rire. Il est  par ce fait, le plus attachants de tous les protagonistes du film et garçons comme filles vont vouloir, suite à la projection, le même à la maison. Son caractère et sa corpulence rassurante dégage aussi des émotions fortes dont les spectateurs ne seront pas insensibles.
Les autres « super-héros », tous scientifiques, sont exposés en second plan mais sont néanmoins réussis.
Fred, un fan dans l’âme, il adore brandir et faire virevolter des panneaux, lire des comics, et c’est un mordu de monstres en tous genres. C’est un garçon fun, décontracté, sans véritable but dans la vie.
Comme son nom l’indique, GoGo fonce, c’est une rapide. C’est une sportive, une dure à cuire et une fille loyale jusqu’au bout des ongles, entre deux bulles de chewing-gum, elle lâche volontiers une bonne vanne à ses acolytes.
Pour Wasabi, tout est une question de précision. Il est super intelligent (et un tout petit peu névrosé…). Ce grand costaud déteste le désordre et la saleté ! Mais quand Hiro a besoin de lui et qu’il faut se salir les mains, il répond présent sans hésiter.
La chimie, Honey Lemon a ça dans le sang. Ne vous faites pas d’idée sur elle en la jugeant sur ses lunettes et sa drôle de façon de s’habiller. Cette fille peut être douce comme le miel de son prénom, mais elle a littéralement le feu aux tripes et quand elle se lance, impossible de l’arrêter.
Enfin, le méchant du film est Yokai, l’homme masqué qui a orchestré la terrible tragédie qui frappe San Fransokyo et fait basculer la vie de Hiro. Ses apparitions sont impressionnantes même si il n’est pas très charismatique.

Le côté négatif de « Les Nouveaux Héros » serait certainement sa musique, pas assez originale, avec aucun thème qui lui est propre. La musique se fait bien plus forte et soutenu lors des scènes d’actions, un peu à la manière des « Avengers », déjà entendu donc…
Seul la chanson « Immortals » chanté par le groupe Fall Out Boys au milieu du film, lors de la séquence dans laquelle nos six petits génies sont transformés en super-héros high-tech, reste éventuellement en tête.

Visuellement parlant, « Les Nouveaux Héros » est époustouflant de réalisme. La ville de San Fransokyo en est un bon exemple. Cette ville fictive est un mélange intelligent des cultures américaine et japonaise.  Esthétiquement très belle, la ville d’une précision presque réel regorge de détails, au point que le spectateur se voit à traverser l’écran, sans doute le plus beau décor créé par les célèbres studios.
La technique d’animation est d’une fluidité incroyable, avec un style que les Walt Disney Animation Studios ont trouvé depuis « Raiponce » dépassant Pixar et Dreamworks. La lumière est aussi, ici, de toute beauté notamment lors de la scène de l’envol de Baymax et Hiro. En bref, une claque visuel comme jamais on en a eu dans un film d’animation.

A la fois magnifique, drôle, touchant, moderne, avec des personnages attachants, un véritable coup de cœur pour « Les Nouveaux Héros », un des films les plus évolués des Walt Disney Animation Studios avec un côté plus adulte. Une très bonne surprise avec un scénario génial, Disney à une nouvelle fois réussi à faire un chef-d'œuvre !

Quoi de plus beau que de vivre et partager en famille d’inoubliables  moments empreints de féérie ? Voici une sélection de cadeaux originaux pour toute la famille pour faire de ce Noël un moment unique. Les personnages Disney, préférés des enfants se donnent rendez-vous au pied du sapin pour faire rêver petits et grands.

Le Noël des plus petits

Le Noël des Princesses.

Le Noël des petits aventuriers.

Le Noël des Filles.

Le Noël des Collectionneurs.

Le Noël des fashionistas.

Attendu au cinéma le 23 juin prochain, le film « Cruella » réalisé par Craig Gillespie est l’occasion de découvrir la trépidante jeunesse d’un des personnages les plus mythiques et non conformistes des studios Disney : Cruella d’Enfer, dont les méthodes sont aussi impitoyables que le style admirablement avant-gardiste.

 À cette occasion, les studios Disney ont révélé une featurette dans laquelle Emma Stone évoque sa fascination pour ce personnage légendaire.

Histoire :
Londres, années 70, en plein mouvement punk rock. Escroc pleine de talent, Estella est résolue à se faire un nom dans le milieu de la mode. Elle se lie d’amitié avec deux jeunes vauriens et monte avec eux des arnaques en tout genre. Un jour, ses créations se font remarquer par la baronne von Hellman, une grande figure de la mode, terriblement chic et horriblement snob. Mais leur relation va déclencher une série de révélations qui amèneront Estella à se laisser envahir par sa part sombre, au point de donner naissance à l’impitoyable Cruella, une brillante jeune femme assoiffée de mode et de vengeance…

À l’écran, Emma Stone entretient une rivalité sans merci avec Emma Thompson, et sont entourées de Joel Fry, Paul Walter Hauser, Kirby Howell-Baptiste et Mark Strong.

Emma Stone déclare : « C’est amusant de comprendre ce qui a donné naissance à Cruella, d’explorer ce qui l’a poussé à devenir redoutable, de voir comment les gens peuvent être affectés par les événements qui se produisent dans leur vie, comment ils peuvent choisir de s’effondrer ou au contraire de les affronter pour arriver (pas toujours mais parfois) à quelque chose de meilleur. Il y a tout cela dans le film, mais d’une manière amusante, exagérée, assez folle, très Disney, le tout avec une excellente musique punk. »

Le 16 octobre 1923, Walt Disney fonde officiellement Disney Brothers Cartoon Studio, son premier studio d’animation, qui révolutionne dès sa création l’industrie du divertissement. En 100 ans, Disney a inventé de nouvelles manières de raconter des histoires et a donné naissance à quelques-uns des personnages les plus emblématiques, qui sont entrés aujourd’hui au panthéon de la culture populaire. Ils sont à l’origine de souvenirs inoubliables pour de nombreuses générations.

Aujourd’hui, Disney continue de révolutionner l’industrie du divertissement en combinant récits extraordinaires et technologies innovantes pour créer un univers encore plus vaste, plus connecté et plus merveilleux destiné à tous les publics.

Tout au long de l’année 2023, Disney rendra hommage aux personnages et récits de ce premier siècle d’émerveillement et présentera, sous l’appellation Disney 100, un programme de festivités qui proposera au grand public, en France comme dans le monde entier, des expériences immersives, des concerts inédits, des collections exclusives, des événements incroyables… sans oublier de nombreuses surprises à venir.

Découvrons ci-dessous quelques-uns des premiers temps forts prévus en France :

DISNEY 100 : LE CONCERT ÉVÉNEMENT

Dans la plus grande salle de spectacle d’Europe, Paris La Défense Arena, redécouvrez les classiques de Disney et ses mélodies de légende interprétées par plus de 500 artistes sur scène pour plus de 3h de musique et de chansons sublimées par un orchestre philharmonique de plus de 150 musiciens, 350 choristes, danseurs, chanteurs solistes, groupes de rock et de jazz... Deux représentations les 11 et 12 novembre à Paris célèbreront 100 ans de films et de musiques entrés dans le patrimoine culturel et l’inconscient collectif.  L’occasion de redécouvrir les chansons incontournables et scènes culte d’hier à aujourd’hui au travers d’un medley Disney unique en son genre.
Un spectacle exceptionnel au cours duquel les images des films seront projetées sur écrans géants, accompagnées d’une multitude d'effets spéciaux, de lumières, de lasers et de surprises qui feront voyage le public lors de cet événement inocroyable !

Une tournée sillonnera les plus grandes villes de France entre le 17 novembre et le 30 décembre 2023.

Retrouvez toutes les dates sur le site : www.disneyenconcert.com

L’EXPERIENCE DISNEY 100 : L’AMITIÉ C’EST MERVEILLEUX

Pour marquer 100 ans de duos iconiques, d'amitiés improbables et de copains inséparables, Disney ouvrira à Paris à l’été 2023 les portes d'une expérience multisensorielle pour célébrer ce lien unique au travers d’espaces immersifs inspirés des histoires et des personnages emblématiques de Disney. Cet événement permettra au public d’explorer 1000m2 d’expériences et d’installations réparties dans quatre salles aux couleurs de ALICE AU PAYS DES MERVEILLES, LILO & STITCH, LE ROI LION et MICKEY ET SES AMIS.

Plus de détails à venir dès l'ouverture de la billetterie en 2023 sur le site : www.disneylesmerveillesdelamitie.fr

DES COLLECTIONS EXCLUSIVES DISNEY 100

De nouvelles collections et collaborations célèbreront les 100 ans de Disney, avec notamment des produits Platinum Disney 100. Ces gammes inspirées des personnages et des histoires qui ont fait la renommée des studios seront dévoilées en début d’année prochaine. Les années 1920 donneront le coup d’envoi à travers une collection Steamboat Willie. Les décennies suivantes seront notamment représentées par Blanche-Neige pour les années 1930, Pinocchio pour les années 1940…

LA CAMPAGNE : DISNEY 100, JOUER C’EST MERVEILLEUX

Disney continuera d’accompagner les familles de façon ludique tout au long de l’année au travers de ses histoires et la campagne « Jouer c’est Merveilleux » qui s’appuiera sur l’héritage de Disney en matière de narration pour permettre aux familles de redécouvrir la joie de jouer ensemble. Cette campagne mondiale encouragera les familles à créer des moments de jeu ludiques avec les enfants dans la vie de tous les jours.

DES ACTIONS SOLIDAIRES

Depuis toujours, Disney accompagne de nombreuses associations caritatives ainsi que de nombreux hôpitaux pédiatriques en apportant du divertissement, du bien-être et des moments de joie aux familles en difficulté. Un soutien qui s’articule autour d’une mission concrète : faire vivre des moments qui comptent à ceux qui en ont le plus besoin.

En 2023 et pour célébrer ses 100 ans d’actions, Disney s’engage à offrir 100 000 expériences de divertissement inoubliables à ses associations et hôpitaux partenaires.

DISNEYLAND PARIS

Dans le prolongement des célébrations du 30ème Anniversaire de Disneyland Paris, Disney 100 prendra vie au sein de la destination, en débutant par un moment exclusif lors de la soirée du Nouvel An 2023, suivi d'une année remplie de surprises.

Pour marquer l’événement, le 16 octobre 2023, tout au long de la journée, les visiteurs auront droit à un programme de festivités inédit, incluant des rencontres exclusives de personnages et des expériences Disney uniques. Par la suite, les célébrations Disney 100 se poursuivront en offrant aux visiteurs une expérience exceptionnelle et jamais vue. Les billets pour la soirée du Nouvel An 2023, ou pour le séjour du 16 octobre, sont disponibles dès maintenant sur www.disneylandparis.com.

En tant que premier film du Marvel Cinematic Universe sorti depuis l'ouverture de Marvel Avengers Campus, BLACK PANTHER : WKANDA FOREVER des Studios Marvel, découvrez dès à présent à Marvel Avengers Campus le Super Héros qui reprend le rôle iconique de Black Panther !

Au-delà du Campus, la célébration du nouveau film s'étendra au Disney's Hotel New York - The Art of Marvel avec une toute nouvelle photobox thématique à la Super Hero Station. 

De nouveaux cocktails exclusifs inspirés du Wakanda au Skyline Bar seront également proposés !

Des nouveautés merchandise arriveront également très prochainement dans les boutiquesde la destination. 

Attendu chanque année par de nombreuses familles, le spectacle « Disney sur Glace » est de retour avec une nouvelle production « La Grande Aventure ».

Au Millesium d'Epernay le 4 décembre 2022, au Zénith de Paris du 7 au 18 décembre 2022 puis en tournée dans toute la France du 20 décembre 2022 au 5 février 2023, « Disney sur Glace : La Grande Aventure » fera une fois de plus, vivre à ses spectateurs, une épopée remplie de récits d’héros et héroïnes tirés de leurs histoires Disney préférées.

Le public, accompagné par Mickey et ses Amis, pourra alors :

• Explorer le royaume des esprits colorés du film d'animation des studios Pixar COCO. 
  
• Partir en mer avec Vaiana
• Regarder Belle dans le ciel lorsque le lustre enchanté prend vie.
• Chanter avec Elsa, la célébre chanson « Libérée, Délivrée ». 
• Créer des souvenirs avec Aladdin, Woody, Buzz l'Éclair et Ariel, et ainsi participer à une véritable fête !

« Disney sur Glace : La Grande Aventure » partira en tournée dans toute la France après avoir fait rêver les spectateurs du Millesium d'Epernay le 4 décembre 2022, et du Zénith de Paris du 2 au 6 mars 2022.
La magie des histoires Disney enchantera ensuite :

- Le Zénith de Rouen les 20 et 21 décembre 2022
- Le Zénith de Nantes du 23 au 25 décembre 2022
- Le Gayant Expo à Douai du 28 décembre 2022 au 1er janvier 2023
- Le Galaxie d'Amnéville les 3 et 4 janvier 2023
- L'Arkéa Arena de Bordeaux du 6 au 8 janvier 2023
- La Sud de France Arena de Montpellier les 10 et 11 janvier 2023
- Le Zénith de Toulouse du 13 au 15 janvier 2023
- Le Palais Nikaïa de Nice les 17 et 18 janvier 2023
- Le Zénith de Dijon les 24 et 25 janvier 2023
- L'Arena du Pays d'Aix de Aix-en-Provence du 27 au 29 janvier 2023
-La Halle Tony Garnier de Lyon du 1er au 5 février 2023

Informations et réservations ici 

En attendant de vous donner notre avis, il est sûr qu'une fois de plus, le spectacle « Disney sur Glace : La Grande Aventure » saura faire danser, chanter et émerveiller son public prêt à vivre une aventure inoubliable en famille. 

Après avoir ouvert les portes du multivers pour aider Peter Parker  dans SPIDER-MAN : NO WAY HOME, Stephen Strange est de retour dans sa seconde aventure solo. Et le moins que l’on puisse dire, c’est que dans la nouvelle production des studios Marvel DOCTOR STRANGE IN THE MULTIVERSE OF MADNESS, notre sorcier préféré va avoir du pain sur la planche pour combattre les nombreux désagréments de ces réalités alternatives.
Si les dernières aventures de l’homme araignée ainsi que la série animée WHAT IF…? nous avait permis de nous donner un avant-goût de ce qu’est vraiment le multivers, ce nouveau volet ne laissera clairement pas ses spectateurs ressortir de la salle indemne.

Synopsis :
Dans ce nouveau film Marvel Studios, l’univers cinématographique Marvel déverrouille et repousse les limites du multivers encore plus loin. Voyagez dans l’inconnu avec Doctor Strange qui avec l’aide d’anciens et de nouveaux alliés mystiques, traverse les réalités hallucinantes et dangereuses du multivers pour affronter un nouvel adversaire mystérieux.

La première chose que l’on pourrait dire, c’est qu’à l’instar du film LES ÉTERNELS, les studios Marvel ont décidé de taper fort avec DOCTOR STRANGE IN THE MULTIVERSE OF MADNESS, en nous proposant une nouvelle fois, une toute autre approche du Marvel Cinematic Universe. En effet, le côté familial auquel nous étions habitués jusqu’à présent, est ici absent, tout comme l’humour, pour laisser place à l’horreur. Oui, vous avez bien lu, cet opus est en fait bien plus sombre et violente que les autres productions de la Maison des Idées, ce qui risquera donc de déranger le jeune public. Entre Jump scares, monstres et cadavres, le réalisateur Sam Raimi se fait plaisir, lui qui a déjà œuvré dans le genre super-héroïque avec la trilogie SPIDER-MAN dans les années 2000. On peut donc largement en déduire qu’il a eu ici carte blanche pour proposer quelque chose de très différent. Si cela s’est avéré être une excellente idée de faire flirter DOCTOR STRANGE IN THE MULTIVERSE OF MADNESS avec le genre horrifique, on aurait cependant aimé qu’une petite touche d’émotion, autre que la peur viennent nous effleurer…

Pendant plus de deux heures, les spectateurs de DOCTOR STRANGE IN THE MULTIVERSE OF MADNESS assisteront à du grand spectacle comme seul Marvel sait le faire. L’histoire menée tambour battant ne souffre d’aucun temps mort même si celle-ci est doté d’un structure narrative assez classique. Comme son titre l’indique, tout au long du film, nous naviguons entre différents univers, ce qui permet d’offrir une multitude de possibilités pour le futur du MCU mais également une belle variété de paysage à l’histoire. En revanche, nous pourrions peut-être reprocher au long-métrage d’être un peu trop sage avec l’utilisation de ce multivers, et certain pourrait même être déçu, car finalement on ne voit pas grand-chose. L’autre grande réussite de cet opus, est sans aucun doute l’évolution des personnalités des personnages principaux. On pense notamment à celle de Stephen Strange dont l’intrigue dévoile plus d’éléments sur son passé. Nous découvrons également que sous son costume de grand sorcier, se cache un homme aux nombreuses failles et une immense souffrance, celle de ne pas être avec celle qu’il aime.
Enfin, la scène finale, donnera une immense envie de voir la suite de la Phase IV, tant celle-ci se révèle mystérieuse et vraiment surprenante. Pour ce qui est de la conclusion de cette aventure, elle est, à notre goût bien trop précipitée et rapide, quelques minutes en plus n’auraient pas été de trop…
En parlant de mystère justement, l’une des scénes post-génériques (la première), véritable tradition chez Marvel, l’est tout autant, en nous donnant un aperçu de ce que pourrait être la suite des aventures du célèbre sorcier. Concernant la seconde, elle n’est quant à elle, pas d’un grand intérêt. 

Après AVENGERS : INFINITY WAR, AVENGERS : ENDGAME et bien sûr SPIDER-MAN : NO WAY HOME, c’est avec un réel plaisir que nous retrouvons Stephen Strange dans un film rien qu’à lui. Dans ce nouvel opus nous découvrons, comme dit plus haut, un Strange plus fragile, avec une personnalité beaucoup plus développée, évoluant vers quelque chose de plus paternaliste du fait qu’il doit protéger une jeune fille du nom d’America Chavez. Toujours Interprété par l’impeccable Benedict Cumberbatch, Stephen Strange n’en oublie pas pour autant son autre mission, celui de protéger également le multivers. Et qui dit multivers, dit aussi des rencontres avec des versions altérées de notre bon vieux Doctor Strange, l’occasion pour Benedict Cumberbatch de nous prouver (même si il n’en a plus besoin) une fois de plus, l’étendue de son talent d’acteur.
Nous le savions, Wanda Maximoff est la pièce maîtresse de ce nouveau film, et arrive même à voler la vedette au Doctor Strange. Plus puissante et voulant à tout prix retrouver les enfants qu’elle s’est créée, ne pouvant le faire que dans d’autres univers, celle devenue la Sorcière Rouge, est capable des pires monstruosités. L’actrice Elizabeth Olsen y est magistrale en offrant à son personnage toute une palette d’émotions, lui donnant ainsi beaucoup de relief. En revanche, pour les futurs spectateurs, nous vous conseillons d’avoir vu la série WANDAVISION disponible sur Disney+, pour comprendre parfaitement l’évolution du personnage et ses motivations quant à son but ultime.
Avec DOCTOR STRANGE IN THE MULTIVERSE OF MADNESS, c’est un nouveau personnage qui intègre le MCU, en la personne d’America Chavez interprétée par la jeune et convaincante Xochitl Gomez. Même si America Chavez manque clairement de charisme, certainement dû à une mauvaise écriture de l’évolution du personnage, il est intéressant de constater, de par son pouvoir, qu’elle dégage un certain potentiel le futur du Marvel Cinematic Universe.
Dans cet opus, nous retrouvons également Christine Palmer, l’ex-femme de Stephen interprétée par Rachel McAdams. Sa présence, plus importante que dans le long-métrage de 2016, sert ici l’intrigue à travers les différents univers.
Enfin, Benedict Wong est aussi de retour dans le rôle de Wong toujours fidéle à lui-même, mais bien décidé à protéger Kamar-Taj.
N’oublions pas aussi de mentionner, au grand plaisir des fans, que DOCTOR STRANGE IN THE MULTIVERSE OF MADNESS nous donne l’occasion de découvrir de nouveaux super-héros apparaissant sous forme de caméos. Nous n’en dirons pas plus, mais croyez nous, ce multivers offre des possibilités incroyables !

Une fois de plus, en termes d’effets visuels, les studios Marvel ne nous déçoivent pas et on en prend littéralement plein les yeux. Si DOCTOR STRANGE était déjà incroyable, DOCTOR STRANGE IN THE MULTIVERSE OF MADNESS l’est tout autant avec des effets maitrisés tout simplement incroyables. On retiendra notamment, multivers oblige, la scène où les personnages passent d’un univers à d’autres, tout simplement impressionnante ! On saluera d’ailleurs le travail des équipes créatives pour concevoir ces univers visuellement différents et vraiment très beaux. Cela change vraiment des styles graphique auxquels le MCU nous avait habitués.  Les scénes de combat sont elles aussi bluffantes, que ce soit à mains nues ou à coup de sorts. L’une d’entre elles, dans le dernier chapitre est particulièrement réussi et pour le coup assez originale.
Malheureusement à trop vouloir forcer sur le fond vert, on remarque par ci, par là que l’incrustation n’est pas parfaite.
Concernant la bande-originale, la partition de Danny Elfman est décevante et n’est pas la hauteur du long-métrage. 

Malgré quelques petites faiblesses et une fin trop rapide, DOCTOR STRANGE IN THE MULTIVERSE OF MADNESS est un divertissement solide, servi par un Sam Raimi décidément très en forme. Empruntant le chemin d’un film à frissons et bien gore, on se surprend à sursauter à certains moments, ce qui n’est pas commun chez Marvel. Cette ambiance pesante que le réalisateur impose aux spectateurs s’avère efficace et fait de ce long-métrage une œuvre à part dans le Marvel Cinematic Universe.
Et pour en profiter pleinement, nous vous conseillons vivement d’avoir vu SPIDER-MAN : NO WAY HOME, les séries WANDAVISION, LOKI, et WHAT IF…? , et bien sûr le premier volet des aventures de Doctor Strange.
Ce voyage à travers le multivers qu’est DOCTOR STRANGE IN THE MULTIVERSE OF MADNESS est l’occasion pour Marvel d’ouvrir les portes à une infinité de possibilités pour le futur. On a déjà hâte de voir la suite, ça promet !

50 ANS DE CANARD AVEC PICSOU

Le 21 février 1972, les jeunes lecteurs découvraient le premier numéro du magazine consacré au plus dingue des canards : Picsou Magazine !
L’éditeur du Journal de Mickey avait décidé de lancer Picsou Magazine pour contrer l’ascension de Pif Gadget, qui grignotait les ventes de son hebdo. On y trouvait des bandes dessinées des personnages Disney, issues de l’école italienne, mais aussi des jeux, des mini-récits et des informations ludiques. Et, bien sûr, l’incontournable gadget, du sou fétiche au coussin péteur en passant par les œufs carrés ou encore la tirelire coffre du numéro 5 !

Au cours des années 1980 et 1990, le magazine se recentre sur les histoires de Carl Barks, tout en incorporant les nouvelles productions, hollandaises, danoises ou brésiliennes. À la fin des années 1990, la rédaction décide de publier en exclusivité les histoires de Don Rosa, dont La Jeunesse de Picsou, saga qui a fait l’objet d’une récente réédition dans Les Trésors de Picsou.

Aujourd’hui, Picsou Magazine est entouré par une galaxie de titres au succès inégalé en kiosque : Super Picsou Géant, Les Trésors de Picsou, Les Chroniques de Fantomiald et tous les hors-séries.

L’HISTOIRE DE PICSOU MAGAZINE PAR CEUX QUI L’ONT FAITE

À l'occasion du cinquantiéme anniversaire de Picsou Magazine, son numéro 560 revient sur les cinq premières décennies du magazine dédié au canard iconique, créé en 1947 sous la plume de Carl Barks.

Au programme de ce numéro anniversaire : 

• Les interviews de Françoise Langrognet, Michèle Lecreux et Pascal Pierrey, les anciens rédacteurs en chef ;
• Un voyage dans le temps avec des extraits du tout premier numéro et un retour sur les numéros qui ont marqué les lecteurs ;
• Une méga BD historique de 132 pages ;
• En cadeau, un ex-libris exclusif

Ce numéro anniversaire s’inscrit dans une année 2022 riche en événements dédiés à Picsou avec, notamment, un stand dédié au Festival International de la BD d’Angoulême (du 17 au 20 mars) et les 75 ans de la création du personnage en novembre 2022.
Unique Heritage Media publiera également deux autres numéros spéciaux : 

• Le 6 juillet, avec le retour du sou fétiche en kiosque, la réédition de ce célèbre objet collector.
• Le 4 novembre sera la date de parution d’un hors-série exceptionnel de Picsou Magazine tout en or (ou presque !) pour célébrer les 75 ans de l’Oncle Picsou. Ce hors-série permettra de découvrir une BD inédite de 190 pages dessinée par Fabio Celoni pour Topolino, ainsi que des BD historiques !

Après deux ans d’absence, le spectacle familial de l’hiver « Disney sur Glace » est enfin de retour avec une nouvelle production « Tous Héros ».

Au Zénith de Paris du 2 au 6 mars 2022 puis en tournée dans toute la France du 8 au 27 mars 2022, « Disney sur Glace : Tous Héros » fera une fois de plus, vivre à ses spectateurs, une aventure remplie de récits d’héros et héroïnes tirés de leurs histoires Disney préférées.

Le public pourra alors :
- Rejoindre l’intrépide Vaiana et le demi-dieu Maui dans leur voyage épique et audacieux vers des territoires inexplorés pour rendre le cœur volé de Te Fiti.
- Voyager aux côtés d’Anna et Elsa dans leur quête pour protéger le royaume d’Arendelle.
- Plonger « sous l’océan » et tester le pouvoir du véritable amour avec Ariel, la petite sirène.
- Faire descendre leurs cheveux et rêver en grand avec Raiponce alors qu’elle explore le monde qui l’entoure.
- Observer Belle apprivoiser la redoutable Bête.

« Disney sur Glace : Tous Héros » partira en tournée dans toute la France après avoir fait rêver les spectateurs du Zénith de Paris du 2 au 6 mars 2022.
La magie des histoires Disney enchantera ensuite :

- Le Galaxie à Amnéville les 8 et 9 mars 2022
- Le Gayant Expo à Douai du 11 au 13 mars 2022
- Le Zénith de Toulouse les 15 et 16 mars 2022
- Le Zénith de Toulon du 18 au 20 mars 2022
- La Halle Tony Garnier à Lyon du 23 au 27 mars 2022

Informations et réservations ici 

En attendant de vous donner notre avis, il est sûr que « Disney sur Glace : Tous Héros » fera découvrir aux petits comme aux grands, que le courage, la détermination et le cœur font tous partie du héros qui est en eux !

Le départ pour une croisière à haut risque dans la jungle amazonienne approche pour Emily Blunt et Dwayne Johnson ! À cette occasion, une nouvelle affiche ainsi qu’une bande-annonce ont été dévoilées !
« Jungle Cruise » arrive dans les salles françaises dès le 28 juillet !

Chercheuse intrépide, la doctoresse Lily Houghton quitte Londres pour l’Amérique du Sud à la recherche d’un remède miraculeux. Pour descendre le fleuve Amazone, elle engage Frank Wolff, un capitaine roublard aussi douteux que son vieux rafiot délabré, La Quila. Bien décidés à découvrir l’arbre séculaire dont les extraordinaires pouvoirs de guérison pourraient changer l'avenir de la médecine, tous deux se lancent dans une quête épique. L’improbable duo a priori mal assorti va dès lors faire équipe pour affronter d’innombrables dangers, sans parler de forces surnaturelles dissimulés sous la splendeur luxuriante de la forêt tropicale. Alors que les secrets de l’arbre perdu se révèlent peu à peu, les enjeux s’avèrent encore plus grands pour Lily et Frank. Ce n’est pas seulement leur destin qui est en jeu, mais celui de l’humanité tout entière…

Réalisé par Jaume Collet-Serra, « Jungle Cruise » est interprété par Dwayne Johnson, Emily Blunt, Edgar Ramirez, Jack Whitehall mais aussi Jesse Plemons et Paul Giamatti. John Davis, John Fox, Dwayne Johnson, Hiram Garcia, Dany Garcia et Beau Flynn en sont les producteurs, et Scott Sheldon et Doug Merrifield les coproducteurs. Basé sur une histoire de John Norville et Josh Goldstein d’une part, de Glenn Ficarra & John Requa d’autre part, le scenario est signé Michael Green, Glenn Ficarra et John Requa.

Les Studios Pixar ouvrent leurs portes en exclusivité pour Disney+ avec la série « Les Coulisses de Pixar » !

Cette nouvelle série documentaire composée de 4 collections thématisées, comprenant chacune 5 épisodes courts, proposera une immersion dans l’univers artistique et créatif des artistes Pixar, fondée sur des récits personnels.

La première collection sera intitulée « Inspiration » et explorera ce qui déclenche, comme son titre l’indique, l’inspiration et le passage de l’idée à l’exécution.
Elle sera à découvrir sur Disney+ dès le 13 novembre.

Produite par les Studios d’Animation Pixar, la série documentaire “Les Coulisses de Pixar” est réalisée par Erica Milsom et Tony Kaplan.

Il y a quelques jours, ont été révélées la bande-annonce et l’affiche du film Disney+ Original « Black Beauty », la nouvelle adaptation du grand classique de la littérature britannique.

Disponible sur la plateforme dès le 27 novembre prochain, « Black Beauty » est l’adaptation contemporaine de l’œuvre de la romancière britannique Anna Sewell, connue en France sous le titre « Prince Noir ».
Le film suit les aventures d’une Mustang sauvage de l’Ouest des États-Unis. Un jour, capturée et enlevée à sa famille, celle-ci se retrouve bientôt aux écuries Birtwick où elle va nouer une relation empreinte d’amour, de respect et de soutien mutuel avec Jo Green, une jeune fille de 17 ans qui, elle aussi affronte le deuil de ses parents. Au fil des semaines, ce lien indéfectible va aider Black Beauty à garder espoir à travers les différentes étapes, épreuves et aventures de sa vie…

L’actrice oscarisée Kate Winslet prête sa voix à la jument Black Beauty tandis que Mackenzie Foy, Iain Glen, Claire Forlani et Calam Lynch complètent la distribution.
« Black Beauty » est réalisé et scénarisé par Ashley Avis (« Adolescence »). Jeremy Bolt (« Polar », « Monster Hunter ») pour JB Pictures et Robert Kulzer (« Polar ») pour Constantin Film en sont les producteurs tandis que Martin Moszkowicz, Edward Winters et Jon Brown en sont les producteurs délégués. Dylan Tarason est l’un des coproducteurs et Genevieve Hofmeyr (« Mad Max : Fury Road »), directrice de Moonlighting Films, la productrice pour l’Afrique du Sud.

Il y a quelques jours, et alors que la fin de l'année 2020 approche, Disneyland Paris a remporté le prix du meilleur parc familial d'Europe à l’European Star Awards. La destination s'est également classée deuxième dans la catégorie des Meilleurs Dark Rides d’Europe, pour « The Twilight Zone Tower of Terror - Une Nouvelle Dimension de Sensations ». Organisé par Kirmes Park & Revue, ces prix récompensent l'esprit d'entreprenariat, le courage et l'innovation au sein de l'industrie européenne des parcs à thème.

En outre, cette année, Disneyland Paris a été également été sélectionné quatre fois aux Park World Excellence Awards. Ces prix, qui en sont à leur troisième édition, récompensent les "meilleurs" opérateurs, fournisseurs, fabricants et spécialistes du divertissement d'Europe, du Moyen-Orient et d'Afrique (EMEA).

- Best Dark Ride or Media Based Experience (meilleure expérience multimédia) : « The Twilight Zone Tower of Terror : Une Nouvelle Dimension de Sensations » au Parc Walt Disney Studios, de Walt Disney Imagineering

- Best Large Park (Meilleur Grand Parc): Parc Disneyland

- Best Live Entertainment (Meilleur Divertissement Public) : « La Reine des Neiges 2 : Un Voyage Enchanteur » et « Le Roi Lion et les Rythmes de la Terre » au Parc Disneyland

Les European Star Awards et les Park World Excellence Awards distinguent Disneyland Paris en tant que lieu où la magie s'éveille et où des souvenirs inoubliables sont créés. La particularité de Disneyland Paris - et chaque parc Disney - est l’engagement exceptionnel des Cast-Members auprès des visiteurs, et à leurs attentes en constante évolution. Les histoires et les personnages comme « La Reine des Neiges », « Le Roi Lion », Marvel et Star Wars, prennent vie et continuent à amplifier l'expérience visiteur. Disneyland Paris n'a qu'un seul but en tête : dépasser les attentes de ses visiteurs. Et, malgré une année 2020 difficile, l'entreprise reste attachée à la créativité et au cœur de l'ADN de la marque Disney : l'innovation.

Il y quelques jours, les Studios Pixar nous ont donné un avant goût de l'été grâce à la bande-annonce de « Luca », leur nouveau long-métrage d'animation, une histoire dans laquelle deux jeunes monstres marins vont vivre un été qui changera leur vie pour toujours. 

Réalisé par Enrico Casarosa (nommé à l’Oscar du Meilleur Court-Métrage animé pour « La Luna »), et produit par Andrea Warren (« Lava », « Cars 3 »), « Luca » bénéficie d’une remarquable distribution pour les voix originales : 

• Jacob Tremblay (« Room », « Wonder ») prête sa voix à Luca Paguro, un monstre marin de 13 ans brillant, inventif et doué d’une grande curiosité, surtout quand il s’agit du monde mystérieux qui se trouve au-dessus de la mer.
• Jack Dylan Grazer (« We Are Who We Are », « Shazam ») est la voix d’Alberto Scorfano, un monstre marin adolescent indépendant et libre qui s’enthousiasme pour le monde des humains.
• Emma Berman donne la parole à Giulia, une aventurière charmante et extravertie qui se lie d’amitié avec Luca et Alberto.
• Maya Rudolph (« Mes Meilleures Amies », « Saturday Night Live », « Big Mouth ») prête sa voix à Daniela, la mère de Luca.
• Marco Barricelli est la voix de Massimo, le père de Giulia.
• Jim Gaffigan (« The Pale Tourist », « Troop Zero ») interprète Lorenzo, le père de Luca.

Synopsis :
Dans une très jolie petite ville côtière de la Riviera italienne, un jeune garçon, Luca, vit un été inoubliable, ponctué de délicieux gelato, de savoureuses pasta et de longues balades en scooter. Il partage ses aventures avec son nouveau meilleur ami, mais ce bonheur est menacé par un secret bien gardé : tous deux sont en réalité des monstres marins venus d’un autre monde, situé juste au-dessous de la surface de l’eau…

« Luca », le nouveau film d’animation original des studios Pixar sortira à l’été 2021 !

Pour la première fois, The Walt Disney Company et Philips s'associe aux hôpitaux européens pour mener le premier programme pilote de recherche clinique de ce type, qui vise à réduire la peur et l'anxiété afin d'améliorer l'expérience des enfants lors des examens IRM.
L'étude portera sur les effets et l'utilisation des histoires et des personnages animés, y compris ceux de Disney, dans le cadre de la solution Philips Ambient Experience.

Royal Philips, leader mondial dans le domaine des technologies de la santé, et The Walt Disney Company Europe, Middle East and Africa s'associent pour tester une série d’histoires animées incluant des personnages Disney spécialement conçues, dans le cadre de Philips Ambient Experience, une solution qui intègre l'architecture, le design et les technologies habilitantes, telles que l'éclairage dynamique, les projections vidéo et le son, pour permettre aux patients et au personnel de personnaliser leur environnement afin de créer une atmosphère reposante. Le projet de recherche clinique de Philips débutera cet été dans six hôpitaux à travers l'Europe et les résultats du projet pilote seront achevés dans le courant de l'année. C'est la première fois que Disney collabore dans le cadre d'un projet de recherche clinique de ce type.

Philips étudiera comment Philips Ambient Experience peut améliorer l'expérience du patient et du clinicien lors des procédures d'IRM pédiatriques. Philips Ambient Experience testera six séquences d'animation Disney originales et stylisées, créées spécialement par les animateurs de Disney pour être utilisées dans les hôpitaux avec les conseils cliniques de Philips et destinées à réduire la peur et l'anxiété souvent ressenties par un enfant lors d'une IRM. Ces différentes animations Disney met en scène des personnages comme Mickey Mouse, Ariel, les Avengers de Marvel, Yoda de Star Wars et d'autres personnages, réunis pour la première fois dans un cadre de diagnostic. L'objectif du projet pilote de recherche est de contribuer à réduire l'anxiété des enfants, à créer des liens et à améliorer la capacité du personnel à accomplir ses tâches dans les salles d'IRM de six grands hôpitaux européens.

L'expertise clinique de Philips alliée aux récits de Disney

Les examens médicaux comme les IRM peuvent être difficiles pour de nombreux patients, en particulier les enfants, qui sont anxieux ou claustrophobes. Philips Ambient Experience, qui compte 2 000 installations dans le monde entier, aide à gérer ces défis en créant un environnement d'imagerie multi-sensorielle accueillant et relaxant. Les patients peuvent personnaliser l'éclairage, la vidéo et le son de la chambre en choisissant un thème de leur choix. Cela leur donne un sentiment de pouvoir et de contrôle sur la procédure et leur permet de se concentrer de manière positive sur le thème de l'ambiance.
Ambient Experience Patient In-bore Connect les aide à se détendre, à suivre les instructions et à minimiser les mouvements une fois qu'ils sont dans le scanner en utilisant un contenu vidéo aligné sur la procédure d'IRM pour fournir des informations et des conseils au patient pendant le balayage ainsi que des informations sur la durée du balayage. Cela devient de plus en plus important pour les jeunes patients pédiatriques qui subissent une IRM et qui doivent rester immobiles pour réduire la nécessité de répéter les examens. Il est prouvé que Philips Ambient Experience contribue à améliorer l'efficacité grâce à un débit plus élevé et à une meilleure prévisibilité pour les patients, ce qui réduit considérablement la nécessité de reprendre et de refaire les examens.

Cette collaboration réunit les vastes connaissances et l'expertise clinique de Philips, combinées à une compréhension approfondie des besoins des patients, et à la maîtrise des récits de Disney. Elle permettra aux enfants de sélectionner des contenus Disney mettant en scène leur personnage préféré afin de leur donner un sentiment de familiarité, de contrôle et de confort. Qu'il s'agisse de rejoindre Aladdin et Jasmine lors d'un tour de tapis magique ou d'évoluer entre les gratte-ciel de la ville avec Spider-Man, chaque histoire est spécialement conçue pour calmer et soutenir l'enfant dans son expérience.

Kees Wesdorp chef de service du diagnostic de précision de Philips déclare : « Une visite à l'hôpital peut être assez intimidante pour les gens, et en particulier pour les enfants, où un environnement plus convivial et plus centré sur le patient pourrait contribuer à améliorer l'expérience du patient et à favoriser une première imagerie correcte pour de meilleurs résultats. Avec cette étude pilote, nous allons étudier l'impact de Philips Ambient Experience, y compris les thèmes spécialement développés par Disney pour donner aux enfants une expérience positive afin de les aider tout au long de la procédure médicale. Philips a toujours adopté une approche des soins de santé centrée sur la personne. Ensemble, nous pouvons faire une réelle différence pour des milliers de jeunes patients qui subissent des procédures médicales chaque jour. »

Jan Koeppen, président de The Walt Disney Company, EMEA déclare également : « J'ai pu constater que les examens IRM peuvent être intimidants pour les enfants, et j'aime la façon dont Philips se concentre sur l'expérience du patient. Chez Disney, nous sommes impatients de compléter l'expérience IRM de Philips avec nos histoires et nos personnages. Nous sommes enthousiastes à l'idée de voir les résultats de la recherche clinique et de quantifier l'impact que nos personnages peuvent avoir dans cet environnement. »

Une étude récente menée par la New Economics Foundation a révélé qu'en plus de créer une expérience positive, les personnages bien connus de Disney aident à instaurer la confiance chez les enfants en situation d'anxiété. Les recherches montrent également que, grâce à la puissance des récits et des personnages de Disney, il est possible d'inspirer et de créer des sentiments, des expériences et des souvenirs positifs, aidant ainsi les enfants et les jeunes à faire face à la situation là et quand ils en ont le plus besoin.

Disney a une longue histoire de magie et de récits dans les hôpitaux pour enfants et les lieux de soins du monde entier. En 2018, Disney a annoncé un nouvel investissement de 100 millions de dollars pour aider à réimaginer le parcours des enfants dans les hôpitaux du monde entier, dans le cadre de son programme mondial Social Purpose.

Inspiré de faits réels, la nouvelle production 20th Century Studios, « Le Dernier Duel » réalisé par Ridley Scott relate le dernier duel judiciaire connu en France entre Jean de Carrouges et Jacques Le Gris en 1386. Ces deux chevaliers, amis, se déchirent lorsque Marguerite de Carrouges, la femme du premier, accuse Le Gris de l'avoir violée chez elle. Malgré les risques, elle reste déterminée à dénoncer son agresseur. Chacun des trois protagonistes est cependant menacé de mort, puisque le mari et le violeur présumé doivent se départager dans un combat à mort, tandis que Marguerite de Carrouges risque d'être brûlée vive suite à ces accusations.
Selon l'histoire relatée par Eric Jager dans son ouvrage « Le dernier duel : Paris, 29 décembre 1386 », ce procédé du "jugement de Dieu" est le dernier combat à mort organisé en France.
Un sujet parfait donc, pour Ridley Scott, qui à 83 ans signe ici un film ambitieux aussi bien sur le fond que sur la forme !

Synopsis :
Basé sur des événements réels, le film dévoile d’anciennes hypothèses sur le dernier duel judiciaire connu en France - également nommé « Jugement de Dieu » - entre Jean de Carrouges et Jacques Le Gris, deux amis devenus au fil du temps des rivaux acharnés. Carrouges est un chevalier respecté, connu pour sa bravoure et son habileté sur le champ de bataille. Le Gris est un écuyer normand dont l'intelligence et l'éloquence font de lui l'un des nobles les plus admirés de la cour. Lorsque Marguerite, la femme de Carrouges, est violemment agressée par Le Gris - une accusation que ce dernier récuse - elle refuse de garder le silence, n’hésitant pas à dénoncer son agresseur et à s’imposer dans un acte de bravoure et de défi qui met sa vie en danger. L'épreuve de combat qui s'ensuit - un éprouvant duel à mort - place la destinée de chacun d’eux entre les mains de Dieu.

Même si le déroulé des évènements divise encore aujourd’hui les historiens, il n’en a pas fallu plus pour que cette histoire suscite l’intérêt d’Hollywood. 20th Century Fox reçoit le feu vert en 2015 pour débuter la production sous la houlette du réalisateur Francis Lawrence. Mais le projet ne verra finalement pas le jour…
Ce n’est qu’en juillet 2019, que l’idée d’adaptation du roman « Le Dernier Duel : Paris, 29 décembre 1386 » ressort des cartons. Disney récupère alors les droits d’adaptation suite au rachat de 20th Century Fox et annonce que Ridley Scott en sera le réalisateur.

Dés lors, le cinéaste nous propose avec « Le Dernier Duel » une mise en scène plutôt ambitieuse et originale pour une production de ce genre. En effet, les scénaristes (Ben Affleck, Matt Damon et Nicole Holofcener) ont eu l’idée de divisé le film en trois chapitres distincts, chacun racontant la version de chacun des personnages impliqués dans l’affaire, jusqu’à la séquence finale où nous assistons au dénouement de ce fait historique. Si le procédé n’est pas nouveau, il offre ici aux spectateurs d’être impliqué pleinement dans l’intrigue et ainsi se demander quelle version est la vérité. Est-ce celle de Jean de Carrouges ? celle de Jacques Le Gris ? ou celle de Marguerite de Carrouges présentée comme la seule et unique vérité ?  
Si certaines séquences sont revues dans des versions plus ou moins légèrement différentes d’un chapitre à l’autre, le choix de cette mise en scène s’avère intéressante et judicieuse car elle offre un super terrain de jeu propice au développement des personnages, sur lesquels le public portera un regard évoluant constamment.

Le casting est également un gros point fort pour ce long-métrage qui renforce ainsi l’intensité du sujet traité. La comédienne Jodie Comer offre une superbe interprétation de Marguerite de Carrouges, héroïne féministe malgré elle. L’actrice nous démontre ici toute l’étendue de son talent en changeant de jeu dans chacun des chapitres présentant les différents points de vue. Mention spéciale pour la scène du procès dans laquelle elle est éblouissante de talent.
Matt Damon et Adam Driver, quant à eux, interprètent respectivement et avec autant de talent Jean de Carrouges et Jacques Le Gris deux chevaliers représentant une certaine masculinité toxique et misogyne.
Ce magnifique trio est rejoint par les non moins talentueux Ben Affleck qui joue le comte Pierre d’Alençon, Harriet Walter dans le rôle de Nicole de Buchard, Nathaniel Parker joue Robert de Thibouville, Michael McElhatton interprète le rôle de Bernard Latour, Alex Lawther est le roi Charles VI, et Marton Csokas joue le rôle de Crespin.

Production Ridley Scott oblige, il fallait évidemment s’attendre à des décors grandiose. Le spectateur ne sera pas déçu !
Si les studios hollywoodiens préfèrent aujourd’hui la facilité en tournant sur fond vert et exploitant à outrance les incrustations numériques, dans « Le Dernier Duel » il n’en est pas question (ou presque) ! L’une des forces de ce film est en effet d’avoir utilisé de nombreux décors naturels situés en France et notamment en Dordogne et en Bourgogne. Ridley Scott, accompagné de dizaines de figurants française, a ainsi posé ses caméras pour 3 mois de tournage dans des monuments tels que : le château de Beynac, le château de Fénelon, le château médiéval de Berzé-le-Châtel et à l’abbaye de Fontfroide. La ville de Monpazier a également reçu pour quelques jours les équipes du film.  
Évidemment « Le Dernier Duel » n’est pas dénué d’ « effets spéciaux » numériques comme dans la séquence se situant dans le Paris du XIVème siècle et dans laquelle le public remarquera  la Cathédrale Notre-Dame en chantier, mais également dans la scène du duel final qui ne pouvait pas être réalisée sans quelques trucages.
En bref, « Le Dernier Duel » de par ses décors, rend un bel hommage à la France et à son Histoire, que le public français et international prendra plaisir à (re)découvrir !

Si les fans de la première heure des productions de Ridley Scott seront certainement déçus de ne pas y retrouver de batailles grandioses, marque de fabrique du réalisateur, et reléguées ici au second plan, ils découvriront en échange une histoire mettant en avant les mœurs de l’époque empli de misogynie et de sexisme. Des thèmes au caractère résolument moderne qui résonnent encore tristement aujourd’hui. Et c’est également là aussi la grande force du long-métrage « Le Dernier Duel », proposer un récit relatant des faits passé mais avec une vision moderne.
Intéressant, utile et captivant, ne souffre que d’une seule chose : une bande originale sans aucune saveur. Harry Gregson-Williams livre une partition décevante pour un film qui aurait largement mérité mieux…

De par son casting, ses décors et sa mise en scène « Le Dernier Duel » offre un spectacle de grande qualité, sans pour autant s’inscrire au coté d’un « Gladiator » ou d’un « Kingdom of Heaven ». Magnifique hommage à l’Histoire de France, « Le Dernier Duel » est aussi et surtout un film féministe, l’histoire d’une femme coincée dans son époque, criant sa vérité pour que l’on puisse reconnaître son statut de victime. Avec des thèmes tels que le viol, le sexisme et la misogynie, « Le Dernier Duel » est un long-métrage résonnant tout particulièrement avec notre époque.

Pour la toute première fois, des illustrations originales de Mickey par l'artiste pop légendaire Keith Haring ont inspiré plusieurs collections de mode.

Disney a collaboré avec le studio Keith Haring pour présenter l'œuvre emblématique de l'artiste représentant Mickey sur une gamme de vêtements et d'accessoires qui sera disponible dans le monde entier en 2021.

En 1980, Haring a créé des œuvres d'art originales mettant en scène Mickey dans un nouveau style propre à la culture urbaine de New York, s'inspirant à la fois du Pop Art et du graffiti. Son amour pour Mickey était enraciné dans ses expériences d'enfance. Profondément influencé par Walt Disney et les dessinateurs américains des années 50 et 60, Haring aspirait même à devenir dessinateur lui-même.

Keith Haring avait déclaré : « J'ai toujours voulu travailler pour Walt Disney quand j’étais enfant, en grandissant et à certains égards, je pense qu'il est l'un des trois artistes les plus importants du 20e siècle avec Warhol et Picasso. »

Cette collaboration s'inscrit dans la continuité de la célébration par Disney des interprétations artistiques de Mickey par Keith Haring. Une partie de ses œuvres avaient d’ailleurs été présentées dans le cadre de l'exposition Mickey: The True Original célébrant le 90ème anniversaire de Mickey.

Les œuvres de Haring ont inspiré plusieurs marques dont Coach qui dévoile une collection exclusive mettant en valeur deux de ces œuvres d'art.
« Le respect et l’admiration de Keith Haring pour Walt Disney, et en particulier pour Mickey, ont inspiré certaines de ses pièces emblématiques. En collaborant avec Disney, nous donnons vie à ses œuvres à travers un nouveau médium et continuons à célébrer son influence durable dans le domaine artistique et les générations futures. » affirme Le Studio Haring. 

De nouvelles collections de vêtements et accessoires Mickey x Keith Haring sont disponibles chez Uniqlo et Stance et de nouvelles collaborations seront dévoilées notamment avec Coach, Swatch et Zara en 2021.

Prévu à l’origine pour le printemps  2020, la sortie de « Black Widow » se voit plusieurs fois reporter suite à la pandémie de COVID-19 obligeant les salles de cinéma du monde entier à fermer leurs portes pendant plusieurs mois.
Après un an et demi d’absence, les studios Marvel sont enfin de retour dans les salles avec une nouvelle production « Black Widow », ouvrant la Phase 4 de leur immense univers partagé : le désormais célèbre Marvel Cinematic Universe.
Si le spectateur retrouvera avec plaisir l’héroïne disparue dans « Avengers : Endagame », il pourra néanmoins s’interroger sur la légitimité de cette œuvre revenant sur des événements de la Phase 3, et qui vient donc casser la sacro-sainte chronologie de la Maison des Idées.

Synopsis :
Natasha Romanoff, alias Black Widow, voit resurgir la part la plus sombre de son passé pour faire face à une redoutable conspiration liée à sa vie d’autrefois.
Poursuivie par une force qui ne reculera devant rien pour l’abattre, Natasha doit renouer avec ses activités d’espionne et avec des liens qui furent brisés, bien avant qu’elle ne rejoigne les Avengers.

Natascha Romanoff alias Black Widow a été créée en 1964 par le scénariste Stan Lee et les artistes Don Rico et Don Heck. Elle est d'abord apparue comme l'ennemie d'Iron Man dans le comic book Tales of Suspense #52, mais se reconvertira plus tard en super-héroïne.
Introduite au cinéma dans « Iron Man 2 » de Jon Favreau en 2010, Black Widow interprétée par Scarlett Johansson a d’abord servi de faire valoir pour les super-héros. Il faudra attendre 2014 et le film « Captain America : Le Soldat de l’Hiver » pour voir son rôle prendre de l’importance jusqu’à « Avengers : Endgame » où sa disparition aura surpris plus d’un spectateur. Seulement voilà, pendant 11 ans, le personnage a clairement souffert d’un cruel manque de développement (histoire, personnalité…) de la part des scénaristes.
Avec le film « Black Widow », les studios Marvel comble enfin ce manque en offrant des aventures digne de ce nom à ce personnage que le public aime tant.
Le long-métrage s’ouvre ainsi sur une sympathique scène d’introduction présentant les héroïnes enfants dans l’Amérique des années 80, puis le générique prend le relai pour nous faire brièvement découvrir leur passé et leur endoctrinement. Cependant, on regrettera que leurs années au sein de la chambre rouge ne soit pas plus explorées. 
En revanche si il y a un point à ne pas négliger c’est bien la réalisation de Cate Shortland, première femme à la tête d’une production Marvel, qui se révèle ici survitaminée, on ne s’ennuie pas une seule seconde, et ce, grâce à des scènes d’action impressionnantes, des personnages attachants et des thèmes fédérateur tels que : la famille et le trafic d’êtres humains, en l’occurrence ici celui des femmes. 

Malgré une action menée tambour battant, « Black Widow » arrive intelligence à développer et approfondir ces personnages, les rendant terriblement attachants.
Scarlett Johansson incarne avec brio l’héroïne que l’on connaît. Une performance de qualité, qui crève l'écran et met un parfait point final à la carrière de cette première version cinématographique de Black Widow.
Nouvelle venue dans l’écurie Marvel, Yelena Belova, la sœur de Natasha Romanoff interprétée par Florence Pugh est un bel atout pour le film, tant sa prestation est convaincante. On a déjà hâte de la retrouver dans de futures productions de la Maison des Idées afin de voir l’évolution du personnage.
Nous retiendrons également le duo d’espions russes formé par Melina Vostokoff et Alexei Shostakov, interprété respectivement par Rachel Weisz et David Harbour, qui apportent l’aspect comique de l’opus.
Du côté des méchants, Dreykov joué par Ray Winstone est une réelle déception. Souffrant d’un charisme quasi inexistant, on lui déplorera également des motivations manquant profondément d’originalité, ce qui aura pour conséquence de le décrédibiliser auprès des spectateurs.
Enfin, on aurait espéré un peu plus de profondeur du côté de Taskmaster, mais à notre plus grande déception, il n’en est rien… Même si ses scénes de combats sont efficaces et que son identité secrète ne sera dévoilé qu’à la toute fin du long-métrage, il faut quand même souligner qu’il ne sert pas à grand-chose, si ce n’est juste qu’un simple obstacle entre Natasha et Dreykov.

Comme dans toutes productions Marvel, « Black Widow » est truffé de scénes d’action toutes plus incroyables les unes que les autres. Explosions, courses poursuites, les spectateurs en prendront littéralement plein les yeux !
Trop ? En effet « Black Widow » souffre d’un déséquilibre scénaristique flagrant qui préfère miser sur l’action plutôt que de développer la backstory de l’héroïne. Un film d’espionage à la hauteur d’un « Captain America : Le Soldat de l’Hiver » aurait certainement mieux fonctionné, surtout vu le contexte dans lequel évolue l’héroïne.
On regrettera également la sortie trop tardive de cet opus qui arrive après les événements de « Avengers : Endgame » et qui, finalement, n’apporte que peu d’enjeu pour la suite du MCU.
En revanche, comme toutes productions Marvel qui se respecte, la scène post-générique réserve son lot de surprises. Mais malheureusement le public qui n’est pas abonné à Disney+ ne comprendra pas ce que cela raconte. En gros cette scène fait le lien entre la série « Falcon et le Soldat de l’Hiver », « Black Widow » et la future série « Hawkeye ».
Pour ce qui est de la bande-originale, le compositeur Alexandre Desplat n’arrive pas à proposer un thème fort, propre à l’héroïne, signant alors une partition musicale décevante.

Ni bon ni mauvais, « Black Widow » ouvre cette quatrième phase en demi-teinte. Si cela s’avère un plaisir de retrouver cette héroïne souvent mise à l’écart dans les précédents opus de la saga des studios Marvel, il faut tout de même reconnaître qu’elle aurait mérité un film solo un peu plus tôt.
Visuellement impressionnant grâce à ses nombreuses scénes d’action magnifiées par des effets spéciaux spectaculaires, « Black Widow » reste un excellent divertissement, certes assez convenu mais qui permet d’introduire de nouveaux personnages (surtout un) que l’on a déjà hâte de revoir !

Après nous avoir fait découvrir le Grand Avant dans « Soul », les Studios Pixar nous emmènent en Italie avec leur 24^ème long-métrage d’animation « Luca », qui sent bon le soleil et la mer.
Initialement prévu pour une sortie dans les salles obscures, « Luca » se voit, comme pour son prédécesseur, privé de cette mise en avant prestigieuse, pour finalement se retrouver directement proposé gratuitement sur Disney+.
Alors oui, « Luca » n’est certes pas l’histoire la plus originale créée par Pixar, mais nous aurions tout de même adoré découvrir cette jolie fable sur grand écran, tant elle s’y prête à merveille.

Synopsis :
Dans une très jolie petite ville côtière de la Riviera italienne, un jeune garçon, Luca, vit un été inoubliable, ponctué de délicieux gelato, de savoureuses pasta et de longues balades en scooter. Il partage ses aventures avec son nouveau meilleur ami, mais ce bonheur est menacé par un secret bien gardé : tous deux sont en réalité des monstres marins venus d’un autre monde, situé juste au-dessous de la surface de l’eau…

C’est dans une douce ambiance estivale qu’évoluera le spectateur qui regardera « Luca », immergé au beau milieu de la Riviera italienne, celle-là même où le réalisateur Enrico Casarosa passait ses vacances d’été. Le cinéaste oscarisé pour le court-métrage animé « La Luna », qui signe ici son premier long-métrage, s’est donc inspiré de ses souvenirs de vacances sur la côte ligurienne. Cet amour qu’éprouve Enrico Casarosa envers cette région se ressent clairement dans le soin apporté aux décors et notamment au village de pêcheurs de Portorosso, ainsi qu’aux scénes plus campagnardes, qui retranscrivent à la perfection le charme bucolique de cette partie de l’Italie. Dépaysement garanti !
Ce qui étonne le plus lorsque l’on regarde « Luca », c’est sans doute son identité visuel, très loin de ce que Pixar a l’habitude de proposer. En effet, ce film porte indéniablement la patte du réalisateur, qui se ressent en premier lieu dans le design des personnages, très proche de celui proposé dans le court-métrage « La Luna », puis plus globalement dans l’esthétique du film  influencé par l’animation et l’art japonais.

Outre son visuel très différent des précédentes œuvre des studios à la lampe, son scénario pourra en étonné certains, car certes, si il s’avère plutôt très simple au premier abord, il n’en demeure pas moins dénué de thématiques qui feront mouche auprès des spectateurs.
Celle que le public retiendra le plus sera sans nul doute celle de l’amitié, cette amitié qui transforme une existence, thème universel, célébré ici avec tendresse et sincérité. La relation qu’entretiennent Luca et Alberto paraît incroyablement réelle, ceci grâce au talentueux réalisateur qui n’hésite pas à puiser dans ses souvenirs d’enfance, conférant au film une ambiance particulièrement intimiste. Une relation, à laquelle, le spectateur, qu’il soit jeune ou moins jeune s’identifiera car on a tous, un jour, rencontré un(e) ami(e) qui a changé notre vie.
L’autre thématique proposée s’intéresse à la différence et la tolérance. Afin de mettre en images ces thématiques, l’équipe créative a eu l’idée de faire de Luca et Alberto, des monstres marins vivant sous la surface à quelques kilomètres d’un village peuplé d’humains, et qui ont la capacité extraordinaire de se transformé une fois sorti de l’eau. Malgré l’interdiction de ses parents, Luca sous l’influence d’Alberto décide finalement de partir à la découverte de ce monde inconnu. Si on pourrait y apercevoir, dans un premier temps une ressemblance avec « La Petite Sirène », sachez qu’il en est rien, puisque « Luca » prend une toute autre direction en offrant même, pour cette thématique une double lecture. Si pour les plus jeunes, les situations comiques les aideront à comprendre de quoi il en retourne, pour les grands, c’est cette figure métaphorique du monstre marin, représentation du rejet de toute origine (handicap, couleur de peau…) qui illustre cette thématique universelle avec brio, et dans laquelle chacun pourra s’y retrouver.

Si « Luca » nous a conquis, c’est également grâce à sa galerie de personnages très attachants.
Luca Paguro est un jeune monstre des mers de 13 ans, brillant, inventif et curieux. Il se passionne pour le monde mystérieux qui se trouve au-dessus de la mer. Toute sa vie, on lui a répété que l’univers des humains était un endroit dangereux, mais Luca aspire à autre chose que la monotonie de sa petite vie tranquille à la ferme où il élève des poissons-chèvres. Aussi, lorsqu’Alberto le prend sous sa nageoire, les yeux de Luca s’ouvrent sur tout un monde de possibilités. Personnage introverti, curieux et également rêveur, Luca va ainsi petit à petit prendre confiance en lui et faire de ses rêves une réalité.
Alberto Scorfano est un monstre marin adolescent au caractère indépendant et à l’esprit ouvert, qui s’enthousiasme pour le monde des humains. Expansif et grégaire, il ne pense qu’à s’amuser. Pour lui, inviter un camarade à passer du temps ensemble dans le monde de la surface est une évidence. De plus, Luca est un public idéal pour qu’Alberto puisse dévoiler ses vastes, quoique discutables,  connaissances sur tout ce qui est humain. Complétement à l’opposé de son camarade Luca, Alberto est, quant à lui très extraverti, voulant tout contrôler et posséder, quitte à devenir jaloux.
Giulia Marcovaldo est une jeune aventurière charmante et extravertie qui aime les livres et adore apprendre. Comme elle ne vient à Portorosso que l’été, elle n’a pas beaucoup d’amis, ce qui fait d’elle une cible facile pour la petite terreur de la ville. Mais lorsque deux nouveaux venus se présentent et ont manifestement besoin d’aide, Giulia est plus qu’heureuse de leur rendre service, surtout lorsqu’ils acceptent de faire équipe avec elle pour l’aider à gagner la course qu’elle veut désespérément remporter. Pleine d’énergie, Giulia ne manque pas d’audace pour affirmer ses convictions. Elle est tellement passionnée dans sa volonté de découvrir comment le monde fonctionne qu’elle devient très vite un catalyseur pour Luca.

Les personnages secondaires, quant à eux, dans leur traitement trop caricaturaux.
Daniela Paguro, la mère de Luca, adore son fils et est bien décidée à veiller à sa sécurité. Elle avertit régulièrement Luca du danger qui le guette au-delà de la mer, chez les « monstres terrestres ». Daniela n’est pas du genre à se laisser faire : si elle pense que Luca enfreint sa règle numéro un « ne pas s’approcher de la surface », elle fera tout pour l’arrêter.
En français, c’est l’actrice Chiara Mastroianni qui lui prête sa voix. Une prestation convaincante sans être exceptionnelle.
Lorenzo Paguro, le père de Luca, est un homme plein de bonnes intentions mais parfois distrait. Il se passionne pour son hobby, l’élevage de crabes primés.
Enfin, Ercole Visconti, l’antagoniste de l’histoire, est la petite terreur de Portorosso, et il est aussi le champion incontesté de la Coupe de Portorosso, la course qu’il gagne chaque année. Propriétaire d’une Vespa, c’est un crétin vantard méprisant persuadé que tout le monde l’adore et que les gens aiment le regarder manger des sandwichs. Il a deux disciples, Ciccio et Guido, qui l’admirent et le suivent partout, prêts à exécuter ses ordres.

Qui dit « Luca » dit évidemment Italie avec son soleil, ses plages et son ambiance de dolce vita. Si l’action se passe dans le village fictive de Portorosso, elle est en fait inspirée de cinq petites villes appelées Les Cinque Terre se trouvant sur le littoral en Ligurie. Pour se faire, les artistes Pixar se sont donc rendu par deux fois sur la côte italienne, afin de s’imprégner de certaines des caractéristiques qu’Enrico Casarosa espérait insuffler au film. L’équipe a alors traversé de nombreuses villes, vu et senti les textures, la lumière, l’eau, les saveurs, rencontrer les gens de la région (les pêcheurs, les habitants), bref, de quoi leur donné beaucoup de matière avec laquelle réaliser le film. Comme pour « Ratatouille » avec Paris, le résultat est ici impressionnant, offrant un bel hommage à nos voisins transalpins. Tout y est retranscrit avec respect, que ce soit la gastronomie avec les pâtes au pesto, la langue et les expressions (on saluera d’ailleurs le bel effort d’avoir gardé certains mots italiens dans les versions originale et française), mais aussi l’architecture colorée si caractéristique de cette région. Même les monstres marins sont inspirés du folklore local de l’Italie. Bien que l’objectif final ait été de créer un cadre et une atmosphère intemporels, selon le réalisateur le film se situe quelque part entre la fin des années 1950 et le début des années 1960, ce qui lui donne une atmosphère profondément nostalgique, rappelant l’âge d’or italien de ces mêmes années.
De plus, nous n’oublierons pas celle pour qui Luca et Alberto veulent gagner la course : la Vespa, véritable objet du désir pour les deux amis et représentante officielle de liberté.

La musique a quant à elle été composée par Dan Romer, qui signe ici sa première partition pour Pixar. Sa proposition pour « Luca » est simple, rappelant par moment des notes que l’on pourrait facilement retrouver dans un film de Hayao Miyazaki. Si la musique reste discrète, « Luca » est également parsemé de chansons italiennes comme « Il Gatto e la Volpe » de Edoardo Bennato ou encore « Città Vuota » de Mina donnant à l’ensemble un charme certain, typiquement vintage.

Malgré la simplicité de son scénario, « Luca » est une belle histoire intimiste, une ode à l’amitié, qui nous fait voyager dans nos propres souvenirs de vacances. Un petit film sympathique, plein de fraîcheur, parfait pour la saison estivale ! À déguster sans modération, au soleil, les pieds en éventail (et si possible avec une bonne assiette de pâtes au pesto).

Présenté sous le label 20th Century Studios, « Ron Débloque » marque la première sortie au cinéma d’un film d’animation signé Locksmith Animation, dont le studio est basé au Royaume-Uni. L’arrivée dans les salles françaises de cette comédie d’aventure sur l’amitié naissante entre un collégien et son robot dernière génération défectueux est prévue au 20 octobre 2021.

« Ron Débloque » raconte l'histoire de Barney, un collégien tout ce qu’il y a de plus normal, et de Ron, une prouesse technologique connectée capable de marcher et de parler, et conçue pour être son meilleur ami. Les dysfonctionnements de Ron à l’ère des réseaux sociaux entrainent le duo dans d’incroyables péripéties au cours desquelles garçon et robot vont découvrir la notion d’amitié sincère au milieu d’un joyeux désordre...

Le film est réalisé par Jean-Philippe Vine (scénariste sur « Cars 3 »  et « Le Voyage d’Arlo ») et la co-fondatrice de Locksmith Sarah Smith (« Mission Noël : Les Aventures de la Famille Noël ») avec Octavio Rodriguez (scénariste sur « Coco » et « Les Indestructibles 2 ») à la coréalisation. Le scénario est écrit par Peter Baynham (« Mission Noël : Les Aventures de la Famille Noël », les films « Borat ») et Sarah Smith. Julie Lockhart (« Shaun le Mouton, Le Film » ; « Les Pirates : Bons à Rien », « Mauvais en Tout »), également co-fondatrice de Locksmith, et Lara Breay en sont les productrices tandis qu’Elisabeth Murdoch (présidente de Locksmith), Sarah Smith et Peter Baynham en sont les producteurs exécutifs.

Zach Galifianakis (« Un Raccourci dans le Temps »), Jack Dylan Grazer (« Shazam ! »), Olivia Colman (la série « The Crown »), Ed Helms (la série « The Office »), Justice Smith (« Jurassic World : Fallen  Kingdom »), Rob Delaney (« Deadpool 2 »), Kylie Cantrall (la série « Gabby Duran, baby-sitter d’extraterrestres »), Ricardo Hurtado (la série « les Goldberg »), Marcus Scribner (la série « Black-ish ») et Thomas Barbusca (« Tchad ») prêtent leurs voix à la version originale de « Ron Débloque ».

L’équipe de Locksmith Animation, les réalisateurs Sarah Smith et Jean-Philippe Vine, le coréalisateur Octavio Rodriguez, la productrice Julie Lockhart, le scénariste Peter Baynham et le monteur Dave Burrow, dévoilera Ron et Barney, les héros de « Ron Débloque », lors d’un Studio Focus « Locksmith Animation: Présentation du studio CG de Londres » le mercredi 16 juin à 18h00 au Festival International du Film d'Animation d'Annecy. Il sera suivi d’une session de questions/réponses virtuelle en direct. 

Disneyland Paris célèbre la diversité et l’inclusion !
Tout au long de l’année, Disneyland Paris concentre ses efforts sur trois thèmes clés : la parité femmes-hommes, l’égalité LGBTQ+ et l'accessibilité, et vise à créer une culture d'inclusion, où tout le monde est le bienvenu.

En ce mois des fiertés, et pour célébrer toutes les couleurs de la diversité de ses visiteurs et Cast Members, Disneyland Paris invite le public à rejoindre une danse virtuelle au son d’un hymne exclusivement écrit et composé pour la destination « Around the World » !
Inspirez-vous de la chorégraphie et laissez libre court à votre créativité pour montrer vos couleurs ! N’oubliez pas de partager le résultat sur vos réseaux sociaux en utilisant #DisneylandParisPride ! 

Après plusieurs mois de transformation, le Disney’s Hotel New York – The Art of Marvel s’apprête à ouvrir ses portes le 21 juin prochain. Plus de 500 Cast Members font partie de l’aventure, répartis dans une soixantaine de métiers différents, et comme toujours à Disneyland Paris, ils occupent un rôle clé dans l’expérience visiteur et contribuent à rendre leur séjour inoubliable. À quelques semaines de l’ouverture, les Cast Members ont suivi un programme de formation innovant, immersif et interactif conçu en exclusivité par les équipes Formation. Tout est mis à leur disposition pour leur permettre d’aborder sereinement leur prise de poste et effectuer leurs premiers pas dans l’hôtel.

Dans l’esprit de l’expérience unique proposée aux visiteurs de cet hôtel inspiré d’une galerie d’art moderne new-yorkaise, où seront exposées plus de 350 œuvres d’art Marvel, les équipes ont intégré au parcours de formation de chaque Cast Member une journée inédite : « Un Jour au Disney’s Hotel New York – The Art of Marvel ». Sur le principe d’un escape-game, cette formation ludique et interactive répond à plusieurs objectifs pédagogiques : comprendre et savoir expliquer le concept de l’hôtel, savoir orienter les visiteurs, bien connaitre les Super Héros Marvel et les principales œuvres d’art exposées dans l’hôtel ainsi que leur style artistique. Tout au long de la journée, les Cast Members, répartis en équipes, se familiarisent avec l’hôtel au moyen d’énigmes à résoudre. Cette formation innovante est le fruit d’une collaboration réussie entre les équipes Formation, Walt Disney Imagineering, mais aussi les équipes Marvel.

A la suite de cette journée, les Cast Members réalisent un tour guidé de l’hôtel et découvrent les œuvres Marvel dont ils ont eu un aperçu lors de la formation. Ils visitent également de manière plus approfondie certains lieux, comme le Marvel Design Studio ou la Super Hero Station.

La qualité de service de cet hôtel quatre-étoiles passe par une expérience de formation premium proposée aux Cast Members. Gaëlle Marzin, Responsable Formation et Développement, explique : « Il s’agit d’une expérience individualisée, qui répond aux besoins de chaque Cast Member.».
Au total, ce sont plus de 10 000 heures de formation qui auront été délivrées d’ici à l’ouverture de l’hôtel sous des formats multimodaux mixant digital, présentiel et suivi terrain.

Même dans les conditions les plus difficiles au monde, il subsiste des lueurs d'espoir. La chaîne National Geographic présente : « Impact avec Gal Gadot », un nouveau documentaire  de 90 minutes consacré aux histoires fascinantes de jeunes femmes déterminées à surmonter les obstacles pour réaliser l'extraordinaire, par les producteurs exécutifs Gal Gadot (« Wonder Woman »), Jaron Varsano (« Cléopâtre »), la réalisatrice récompensée aux Oscars Vanessa Roth (« Freeheld »), Tara Long (nominée aux Emmy Awards pour « L.A. Burning: The Riots 25 Years Later ») de la société Entertainment One (eOne) et Ryan Pallota de RPC Films. 

« Impact avec Gal Gadot » suit le parcours de femmes d'exception vivant dans des communautés rongées par la violence, la pauvreté, le traumatisme, la discrimination, l'oppression ou les catastrophes naturelles et qui, contre toute attente, se prennent à rêver, se démarquent, s'expriment et se posent en leaders. La chaîne National Geographic révèle aujourd'hui les histoires des six femmes audacieuses présentées dans la série, dont :

• Une étudiante de 19 ans à Porto Rico qui, après le passage dévastateur de l'ouragan Maria sur l'île, s'est mis en tête de veiller à ce que chaque personne en difficulté ait accès à une eau propre et potable ;
• Une thérapeute de Half Moon Bay, en Californie, qui a perdu sa sœur jumelle emportée par la COVID-19 et s'efforce de puiser dans sa douleur pour avoir un impact sur le destin d'autres femmes en les soignant grâce à la Surf Thérapie ;
• Une femme transgenre anciennement sans-abri à Memphis, dans le Tennessee, qui construit des logements pour d'autres femmes transgenres en quête d’un foyer ;
• Une ballerine dans la région la plus dangereuse du Brésil qui, à travers la danse, a su créer une communauté permettant à de jeunes filles d'accéder à un avenir plus radieux ;
• Une patineuse artistique qui a brisé les barrières de son sport et consacre sa vie à entraîner de jeunes filles de couleur tout en leur donnant les moyens d'être autonomes sur la glace comme en dehors ;
• Ainsi que la toute première cheffe d'un peuple amérindien du sud de la Louisiane, voué à faire partie des premiers réfugiés climatiques aux États-Unis, à travers son impact sur l'héritage de ses ancêtres, la vie actuelle de sa communauté et l'avenir de son peuple.

Gal Gadot déclare : « Ce sont des récits puissants de femmes courageuses qui font preuve de compassion, d'humanité et de résilience, des récits que l'on se doit de raconter et de célébrer. Il en va de mon honneur et de mon devoir d'offrir à ces femmes exceptionnelles une plateforme pour promouvoir le travail qu'elles accomplissent face à l'adversité. Aujourd'hui plus que jamais, il nous faut prendre conscience des bonnes actions réalisées par des gens ordinaires dans des circonstances extraordinaires. Je suis profondément convaincue des bienfaits de l'effet d'entraînement et avec ce projet nous souhaitons donner naissance à une communauté de personnes qui souhaitent aider les autres. Je suis fière d'avoir contribué à amplifier leurs voix et j'espère que les spectateurs seront aussi inspirés et motivés que je le suis. »

Les parcours des héroines en détails

Nous suivrons le parcours de Kameryn, une entraîneuse de patinage artistique âgée de 20 ans à Détroit qui a consacré sa vie à entraîner de jeunes filles de couleur tout en leur donnant les moyens d'être autonomes sur la glace comme en dehors.

À Half Moon Bay, en Californie, Kelsey est animée par deux passions : surfer et guider les autres à travers le deuil et le traumatisme. Après avoir perdu sa sœur victime de la COVID-19, Kelsey s'efforce de puiser dans sa douleur pour avoir un impact sur le destin d'autres personnes en les soignant grâce à un programme de Surf Thérapie qu'elle a lancé pour les femmes souffrant des conséquences du trafic d'êtres humains, de la violence conjugale, d'agressions sexuelles et de la perte d'un proche.

Nous découvrirons l'histoire fascinante d'Arianna, jeune femme de 19 ans à la tête d'une équipe d'étudiants qui a inventé un système de filtration de l'eau. Ils garantissent aux habitants de Porto Rico l'accès à une eau propre et potable alors que l'ouragan Maria survenu en 2017 et le manque d'assistance de la part du gouvernement les avaient contraints à vivre pendant plusieurs années avec une eau toxique.

Nous partirons ensuite à la rencontre de Kayla qui consacre sa vie à venir en aide aux femmes de couleur transgenres sans abri à Memphis, dans le Tennessee. Après avoir elle-même vécu dans la rue et subi la violence de ce monde, Kayla a créé une communauté où ces personnes victimes de discrimination peuvent s'épanouir en toute sécurité. À travers sa ville, Memphis, Kayla construit plus d'une vingtaine de maisons pour les femmes transgenres qui ont besoin d'un lieu sûr où se sentir chez elles.

Shirell est la première femme cheffe d'une tribu amérindienne dans le sud de la Louisiane. Ses ancêtres occupaient cette terre depuis des centaines d'années et son peuple est désormais voué à faire partie des premiers réfugiés climatiques américains. Shirell ne peut pas arrêter les tempêtes, mais cela ne l'empêche pas d'avoir un impact sur l'héritage de ses ancêtres, l'actuelle vie de sa communauté et l'avenir de son peuple.

Enfin, nous découvrirons le parcours source d'inspiration de Tuany, ballerine de 23 ans qui a fondé une compagnie de danse pour les jeunes filles de l'une des favelas les plus dangereuses de Rio De Janeiro. Elle offre à ses élèves l'espoir d'un avenir meilleur ainsi qu'un lieu sûr à l'écart de la violence du monde qui les entoure.

« Impact avec Gal Gadot » sera diffusé le samedi 3 juillet à 18h25 et sera disponible en replay dès le lendemain sur MyCanal pour un mois.